p lande художник биография
Высокий и густой кустарник мешал видеть стену фасада. Перемахнуть за метровую изгородь вышло не с руки. Поэтому я пошёл искать калитку. Стена за кустами хранила конструктивистскую композицию, достойную похвал обоих соавторов. Оба придерживались в изобразительном искусстве абстракционистских модернистских течений. Жаль, что исполнители не оставили авторской подписи, но можно принять во внимание характерные “косвенные улики”. Я бы отнёс сюда само «препарирование круга» (диска), а также рельефную обработку узких закраин. На этом фасаде закраины обработаны, рельефно и тщательно. Я бы выставил оценку с плюсом. Такого рода закраины встретились в Бат-Яме на домах Агнон, 11 и А-Мелех Давид, 2 (Rybak).
На панно в палисаднике та же идея препарирования круга представлена технически. На левой штанге препарирована крупная окружность, извлечен сектор, равный четверти круга. При этом сектор чуть ли не вывернут наизнанку. На вертикальной штанге вырезан кружок поменьше, и тут же из него извлечён сектор, соизмеримый с размером круга. Занятие, на мой взгляд, лишённое рационального содержания. Однако фасады с такой примерно тематикой пользовались спросом и существуют до сих пор.
И Ланде, и Рыбак, возможно, знали сокровенный секрет препарируемого круга, а, вероятно, просто любили пофантазировать. Не удивлюсь, если в прошлом кому-то из них довелось работать уборщиком городских улиц или познакомиться со службой городского освещения. В городе на пешеходных тротуарах можно видеть “генеральную схему” солнечного освещения, разложенную на сектора (по часам: утро, день, вечер). Одну из таких схем я сфотографировал на уличном тротуаре в Бат-Яме.
Идиллические панорамы американского художника XIX века, которые и в наши дни поражают реализмом и драматизмом
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Его творчество историки причисляют к Гудзонской школе, для которой характерно изображение нетронутых человеком ландшафтов и коренных жителей Америки. Также живопись этого мастера относят и к Дюссельдорфской школе, так как его творческая биография начинается с обучения в Германии, впрочем, не только творческая. Он был рожден в Германии.
Немного из биографии художника
Альберт Бирштадт (Albert Bierstadt) родился в 1830 году в немецком городке Золинген, расположенном в пригороде Дюссельдорфа. В годовалом возрасте он вместе с семьей переехал в американский штат Массачусетс, где прошло все его детство и юность. Брат Альберта стал знаменитым фотографом, а сам он с ранних лет проявил талант к рисованию. В 1853 году юноша отправился в Европу и несколько лет изучал живопись в Дюссельдорфской академии художеств, а также не мало путешествовал по Италии, что дало мастеру отличную базу для собственных творческих находок.
Спустя четыре года, вернувшись из Европы, Альберт Бирштадт стал лучшим художником в своем городе Нью-Бедфорд. А еще через год его имя гремело по всему штату. Широкую славу он получил благодаря дебютному участию в национальной выставке, где выставил свои лучшие работы из раннего творчества. Немногим позже, желая расширить свой кругозор и запастись новыми впечатлениями, пейзажист вместе с правительственными геодезистами отправился в продолжительную экспедицию по диким местам американского континента.
Альберт Бирштадт собственными глазами увидел и зарисовал Великие равнины, Скалистые горы и берега Тихого океана Западного побережья. А вернувшись из путешествия, Бирштадт откроет студию в Нью-Йорке и создаст серию работ, которую представит в 1860 году на Международную выставку, принёсшую ему всемирную известность, а его полотнам высокий рейтинг.
Так в 1865-ом эпичный холст «Скалистые горы, пик Лендера» был продан на аукционе за рекордные на то время 25 000 долларов. В тот же период художник становится членом Национальной академии дизайна. Став очень успешным и востребованным, Альберт Бирштадт совершил путешествие по Европе и даже встретился с королевой Викторией в Лондоне. К слову сказать, за свою жизнь художник еще не раз совершит поездки и на дикий Запад, где покорит немало горных вершин, проплывет по руслу не одной реки. И, разумеется, все, что открывалось пытливому взору мастера, он запечатлевал в своих эскизах и зарисовках, которые впоследствии лягут в основу его монументальных полотен.
Личная жизнь художника также складывалась удачным образом, живописец был благополучно женат на красавице Розали Лудлоу (Rosalie Ludlow) и жил в роскошном особняке на берегу реки в родном городе. Однако вначале 1880-х в жизни художника наступила темная полоса. Сначала пожар в студии уничтожил многие картины Бирштадта, затем его жена скоропостижно скончалась от чахотки. К тому же масштабные панорамы, которые некогда вызывали у публики восторг, к концу столетия перестали пользоваться спросом. Для заработка пейзажисту приходилось делать низкокачественные копии собственных прославленных произведений. Для картин этого периода характерна некоторая театральность, а также чрезмерное драматичное цветовое сочетание света и тени.
Умер Альберт Бирштадт в 1902 году в родном городе Нью-Бедфорд в бедности и был забыт более чем на пол столетия. Лишь в 1960-х его творчество вновь стало популярным на волне интереса общественности к сохранению уникальной североамериканской природы. Сейчас работы этого автора, являясь национальным достоянием, хранятся в лучших музеях США и многочисленных частных собраниях, сейчас его именем названы гора и озеро в штате Колорадо.
Про нидерландских художников-панков в Риме
Всем привет, хочу вам сегодня немного рассказать про художников, которые шатали устои искусства, поведения в обществе и просто шатали все подряд, раздражая коллег по цеху, жителей Рима и Римского Папу в 17 веке.
Речь пойдет об объединении людей искусства под названием «Перелетные Птицы» и его ответвлении под названием Бамбоччанти.
Кто, например, мог себе позволить написать картину о поиске вшей, когда в чести было все красивое, утонченное и праздничное?
Только отбитые панки.
Поиск гнид, Андрис Бот
Не все работы этих художников были настолько провокационными, я добавлю всяких примеров по ходу дела. Но начнем издалека.
Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях.
Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников.
Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым.
Аллегория Ноября, Йоахим Зандрарт
Доехать до Рима художнику надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.
Лебедь, защищающий гнездо от собаки, Ян Асселин (по прозвищу Маленький краб хихи)
Чтоб в него попасть, надо было пройти целое крещение и посвящение. Первая часть этого дела включала в себя высокоинтеллектуальные беседы о сути искусства на разных языках, а вторая прославила художников на весь Рим и окрестности, потому что это был вакхический кутеж на сутки.
Ну, представьте, действующие члены общества наряжались в цветные простыни, типа это у них тоги как у греков, украшали головы венками, немножко неистовствовали, а новый член общества угощал всех вином, выслушивал напутственные речи и получал новое имя в честь античных богов, ну или просто смешное и полунеприличное прозвище. Затем процессия художников отправлялась в храм Санта Констанца, который был назначен храмом бога Вакха, потому что там находился античный саркофаг, и продолжала поднимать кубки с вином уже у этого саркофага.
Вообще, католическому Риму не сильно нравились бурно пьянствующие протестанты, разыгрывающие языческие шествия посреди города, поэтому саркофаг потом передали в Ватикан от греха подальше.
Вот несколько картин, на которых художники написали самих себя и друзей, в основном, пьянствующих, но с античным пафосом:
Посвящение в общество Перелетных птиц, неизвестный автор
Правда ли, что композиция картины «Ходоки у В. И. Ленина» позаимствована
Согласно информации, распространившейся зимой 2021 года, автор известной советской картины Владимир Серов мог украсть композицию полотна у американского художника Талли Филмуса. Мы вместе с искусствоведом Софией Багдасаровой проверили, так ли это было.
В первой декаде февраля российский сегмент соцсетей обошли две репродукции. Одна изображала знаменитую картину художника Владимира Серова «Ходоки у В. И. Ленина» (1950). На другой, как утверждалось, была запечатлена работа Талли Филмуса «Встреча у раввина» (1908). Поразительное сходство поз и расположения персонажей вплоть до мельчайших деталей не оставляло сомнений: одно произведение написано на основе другого, просто сменились герои и тема. И поскольку полотно Серова датировано значительно более поздним годом, получалось, что маститый художник срисовал у малоизвестного иностранца. Это породило волну комментариев из серии «в этой стране практически всё было краденое». Некоторые приводили дополнительный аргумент в пользу этой теории: настоящая фамилия Серова была Раппопорт, то есть еврейская тематика была ему не чужда.
И если взаимное расположение фигур можно объяснить совпадением или некоей традицией, то руки сидящих персонажей не оставляют сомнения в копировании:
Первые комментаторы правы, но с оговоркой. Американский художник Талли (Нафтали) Филмус родился в 1903 году в Российской империи, в бессарабском местечке Атаки (ныне молдавский город Отачь). В 1913 году его семья перебралась за океан, в Филадельфию, где в 1927 году молодой человек окончил Пенсильванскую академию изящных искусств. Дальше в биографии Филмуса были Париж, Флоренция, Рим и, наконец, Нью-Йорк, где он обосновался по возвращении из Европы и арендовал ателье совместно с будущим лидером абстрактного экспрессионизма Виллемом де Кунингом. В отличие от коллеги, Филмус тяготел к реализму и на протяжении своей творческой карьеры создал, в частности, немало произведений на темы хасидской жизни. Поэтому ничто не мешало Филмусу написать подобную вещь не в 1908 году, а в 1930–1940-е годы, до картины Серова. При этом американец дожил до 94 лет, так что вполне мог создать картину и после появления последней.
Что касается самого факта существования работы Талли Филмуса, то в этом сомнений вроде бы нет. Благодаря сайту-агрегатору результатов аукционов известно, что его произведение с английским названием In the Rabbi’s Study (холст, масло) ушло с молотка 10 июня 1992 года. В углу полотна стоит знакомая по другим работам художника подпись. Однако остаётся нерешённой важная проблема — датировка. До начала флешмоба Филмус — Серов вышеупомянутый сайт содержал единственное упоминание этой работы в интернете. В двух основных альбомах произведений художника (Tully Filmus. Selected Drawings 1971 года и Tully Filmus 1963-го) подобного произведения тоже нет. Правда, в одном из набросков можно узнать элементы будущей работы:
Проблема в том, что Филмус вообще не имел привычки ставить даты на своих произведениях, поэтому прикинуть время создания In the Rabbi’s Study можно, лишь соотнеся его с вехами творческого пути художника. Коллекционер еврейского искусства Зигмунд Балка отмечает, что до Второй мировой Филмус рисовал преимущественно улицы Нью-Йорка, но после ужасов Холокоста сфокусировался на жизни еврейской общины. «Он верил, что его талант должен помочь сохранить культуру штетлов (еврейских поселений в Восточной Европе. — Прим. ред.)…» — добавляет Балка. Это мнение подтверждают каталоги работ Филмуса, вошедших в его альбом, а также картины на еврейскую тематику, информация о которых есть в свободном доступе. Аналогичный вывод можно сделать из биографической энциклопедии, посвящённой 1964 году в США. Конечно, нельзя сказать, что Филмус не помнил о своём происхождении и до войны — например, в 1936 году одна из его картин стала частью коллекции работ американских художников, которую предполагалось подарить Художественному музею Биробиджана. Однако презентовал он не связанную с религиозной тематикой работу «Малыш» (в каталоге значится как «Голова мальчика»).
Таким образом, с высокой вероятностью «Встреча у раввина» была написана после 1945 года, в том числе с немаленькой – позже 1950 года, когда Серов создал свою картину. К примеру, рисунок Филмуса под названием «Дискуссия» с похожим разворотом голов был закончен, согласно каталогу, в 1962 году:
Что касается картины Серова, то история её создания довольно богата. «Замысел её созрел у художника задолго до 1950 года и полностью его поглотил, он много раз возвращался к отдельным деталям будущей картины, пытаясь найти для них правильное место на полотне и сделать выразительными, работал он с увлечением, как сам писал позже — «запоем»», — писал журнал «Нева» в 1955 году.
С точки зрения обстановки в помещении, которая и продиктовала расположение фигур, Серов ничего не придумывал. Вот картина, а под ней реальный кабинет Ленина в Смольном:
С похожего ракурса мебель изображена на не менее знаменитой картине Исаака Бродского «Ленин в Смольном» (1930).
Относительно поз персонажей и, в частности, расположения рук на картине Серова искусствовед Светлана Коровкевич выдвигает следующие тезисы.
— В композиции нельзя ничего переместить, так как это нарушило бы не только заполненность холста в чисто формальном плане (это всегда принимает во внимание любой художник), но и единство содержания картины, которое художник раскрыл в деталях её композиционного строя.
— Центром композиции является движение рук старика на первом плане картины. Это движение сразу обращает на себя внимание зрителя и служит завязкой сюжета. Сдержанный жест бывшего солдата контрастирует с этим жестом. Фронтовик удерживается от желания перебить своего старшего товарища и ждёт удобного момента вступить в беседу, продумывая свои слова. Его жест намечает переход к сосредоточенному настроению ходока, стоящего за креслом. Показывая внимание Ленина к собеседнику, художник вместе с тем подчёркивает свойственную Ленину подвижность — лежащая на краю стола рука с застывшей в воздухе кистью как бы предваряет начало ответного монолога.
— Сидящий крестьянин загибает заскорузлые пальцы, как бы подтверждая сказанное. Стоящий крестьянин, затаив дыхание, с надеждой и любовью безотрывно смотрит на вождя.
Искусствовед Андрей Лебедев тоже называет жест крестьянина на первом плане «довольно типичным и как бы дополняющим рассказ ходока».
У Серова были предшественники в советской живописи, на решения которых он мог опираться в своей работе. Вот, к примеру, полотно Михаила Соколова «В. И. Ленин в Смольном в Октябрьские дни 1917 года», созданное в 1932 году:
Мы видим, что антураж здесь тот же, поза Ленина практически не отличается от серовской и окружают вождя снова сидящие и стоящие люди. В зарубежной же живописи можно выделить картину Кароя Кернштока «Агитатор» (1897), центральный персонаж которой очень похож на Владимира Ильича:
Поэтому говорить о каком-либо подражании Филмусу со стороны Серова было бы нелогично как минимум по трём причинам: 1) поздний интерес к тематике у Филмуса; 2) наличие других примеров для подражания у Серова; 3) низкая вероятность попадания репродукции малоизвестной работы малоизвестного Филмуса в СССР.
Зато Талли Филмус, в свою очередь, вполне мог срисовать руки и в целом позы персонажей с полотна Серова. Даже не с репродукции, а с оригинала, ведь в 1959 году картину Серова вместе с другими работами на ленинскую тематику привозили в США и в рамках показа достижений советского искусства она выставлялась в Нью-Йорке, где в то время жил Филмус:
В 1959 году выходила и открытка с репродукцией картины, попавшая за океан. Детали на ней видны достаточно чётко.
Таким образом, скорее всего, именно Талли Филмус позаимствовал позы персонажей и руки для своей картины «Встреча у раввина» из более известного полотна Владимира Серова «Ходоки у В. И. Ленина», а не наоборот. Американский художник, интересовавшийся в молодости марксизмом и положением евреев в СССР, позднее вполне мог использовать канонический мотив «Ленинианы» для бытовой зарисовки о совсем другом, более правильном с его точки зрения учителе.
Почему Братьев Ленен называют самыми загадочными художниками в истории Франции
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Биография братьев
Братья Ленен практиковали все жанры: религиозную и мифологическую живопись, индивидуальный и групповой портрет, жанровое искусство. В 1630-е годы у них преобладали заказы на религиозные картины. Затем братья обратились к крестьянскому жанровому искусству, показывая беднейших людей с необычайным чувством человеческого достоинства. Хотя популярным в то время было изобразить крестьян в карикатурных и насмешливых образах. В этот период братья переняли принципы голландской групповой портретной живописи, и их искусство приблизилось к совершенству.
Шедевры братьев датируются 1640-ми годами: «Крестьянские семьи», «Кузница» или «Фермерский вагон», выставленные в Лувре. Эти работы демонстрируют с абсолютной точностью простой и духовный образ крестьянской жизни. Творчество братьев Ленен – это также небольшие гравюры на медных пластинах до монументальных религиозных композиций, не говоря уже о мифологических картинах, наполненных с особой чувственностью. После «Крестьянской семьи в интерьере», которая сегодня находится в Лувре, некоторые из работ братьев стали настоящими иконами в истории искусства, а их жизнь остается загадочной и приводит к множеству противоречивых интерпретаций.
В чем же загадочность братьев?
Роль каждого брата
Исходя из множественных споров искусствоведы привели свою интерпретацию о роли каждого из братьев:
1. Антуан, старший, был автором небольших групповых портретов в несколько архаичном стиле и неуклюжих пропорциях. Он любил свободную и яркую палитру, детские сцены.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми: